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Wednesday, 19 December 2018

15 Life Lessons From Banksy Street Art That Will Leave You Lost For Words

https://www.lifehack.org/articles/communication/15-life-lessons-from-banksy-street-art-that-will-leave-you-lost-for-words.html

15 Life Lessons From Banksy Street Art That Will Leave You Lost For Words

Using striking stencil art and profound imagery, Banksy has captured the interest of art lovers, activists, and graffiti artists around the globe. His mysterious identity (and refusal to use social media accounts) has only sparked more intrigue, with media outlets and fans prying to earn a peek into his life. But why use graffiti as a means to communicate?
By displaying art in crowded cities across the world, Banksy puts social and political issues in our face. These pieces force us to stop and think—something that we often avoid doing in our day-to-day lives.

15. Set moral boundaries.

Banksy Hitchiker to Anywhere
This ominous image of a hitchhiking Charles Manson stands outside of London’s Archway Tube Station. Could it be a reference to the pervasive influence of evil in society? An ominous warning that evil can be lurking on any corner? Perhaps we should be more restrictive of what kinds of influences we allow in our everyday lives.

14. Remember where you came from.

Banksy ApemanThose who pass this piece in Los Angeles may wonder if they’re being warned, mocked, or simply entertained by a peculiar caveman with his fast food combo meal. Perhaps this is simply a subtle reminder of our human nature—and of those things that we’ve adopted that aren’t so natural.
As crazy as it is to see a caveman carrying a fast food tray, is it really that much crazier for us to consume grease-soaked, nutritionless meals?

13. Let your actions match your words.

banksy street art meaning
Have you ever been frustrated by a parent who said, “Do as I say, not as I do?” Maybe Banksy was too, before allegedly creating this piece in the London Borough of Hounslow. This piece brings to light the contradiction between what human behaviors are expected, and how people actually behave. We’re often told to be good by some of the very people that are doing just the opposite. Actions speak louder than words, so make sure your actions don’t contradict your words.

12. Everyone’s got skeletons.

Park Street Banksy
This rather humorous scene is one of Banksy’s most famous, painted in Bristol, England. Along with the idea that we’ve all got some things to hide, this piece seems to warn us that things aren’t always what they seem. Don’t blindly believe everything you’re told, as someone’s dishonesty may be creating an illusion.

11. There is always hope.

there_is_always_hope_by_jackhollow
This message is clearly etched in the wall beside this London piece. While the image may symbolize loss, the text clearly tells us that no amount of loss can eliminate hope. This is a gentle reminder to remain positive instead of wallowing in our losses.

10. Strive for peace.

Banksy Airstrike
This San Francisco piece demands that we examine ourselves—particularly, how we solve problems. Instead of resorting to violence and immature tantrums, we should aim to be reasonable and fair. This is one of many Banksy pieces that pushes us to question our government and the decisions made by our leaders.

9. Love is not lust.

Banksy New York
This dismal scene, painted outside of a New York City strip club seems to highlight the ugly truth about society’s sex obsession: it never leads to fulfillment—at least not for this poor guy. Banksy posted the phrase, “waiting in vain” along with a picture of the stencil on his website, suggesting he’s in the wrong place if he wants to find genuine love.

8. All love is valid.

Love Banksy
This piece, outside of a Brighton pub, blatantly displays two uniformed male officers kissing. Banksy seems to be asking us, “Who’s to say what is appropriate?” Whether “conventional” or not, love is love. This piece suggests that love should be accepted publicly and displayed freely, no matter what kind it is.

7. Be humble.

monkey
Let’s face it: most humans need a lesson in humility. We’ve caused tragedies for other species, the environment, and other humans without even recognizing any wrong-doing. Banksy reportedly painted several of these pieces, reminiscent of the popular anecdote: don’t step on the little people to get to the top, as you may need them on your way back down. More importantly, don’t step on people because it’s wrong. Practice humility, and you will naturally earn respect without having to mistreat anyone.

6. Utilize kindness.

Banksy Flower Thrower
This London piece of a protester throwing a bouquet of flowers may be Banksy’s most famous piece thus far. The remarkable idea behind this piece is the use of unexpected weapons. The protester fights not with a grenade or other harmful device, but with an innocent bouquet of flowers. This suggests we may be able to get more done by negotiating kindly, not malevolently.

5. Express yourself.

Bansky LA
This New York piece illustrates self-expression with a graffiti artist puking flowers. The caption tied to this piece is “better out than in,” indicating that if you have something to express, it’s best to let it out rather than hold it in. We certainly wouldn’t hold it in if we felt the need to puke. So why hold in our emotional needs, like the need to express and create? Whether physical or emotional, some things need to be let out, lest we be left with a sour stomach.

 4. Live in the moment.

Bansky Texting
One of Banksy’s most recent pieces, entitled Mobile Lovers, was also done in Bristol. This not-so-subtle reference to modern technology warns us to be conscious of what we’re spending our time and attention on. Nothing that exists on a screen in more important than what is happening right in front of us. By being constantly preoccupied, we could miss out on meaningful opportunities and connection with others.

3. Don’t be so full of yourself.

Banksy Echoes in Eternity
Another New York piece of Banksy’s casually knocks us down to reality. As humans, we like to believe that our lives have significance and that we’re unique from everyone else. This piece can be viewed as something that knocks us down a peg, but in a good way. Everyone lives the same struggle. Life is finite, and that’s okay. Don’t do things in order to be remembered; do things in order to be a good person.

2. Don’t let others deter you.

Banksy Dreams Cancelled
This Boston piece, one of Banksy’s most famous, takes yet another swing in the name of disappointed idealism. Many of us feel forced to give up our dreams, never pursuing them due to financial burdens or other hardships. This may serve as a wake up call for those of us who’ve been asleep. Ultimately, we should follow our dreams, regardless of outside discouragement.

1. Listen to your heart.

Bansky Doctor
Perhaps the most obvious and adorably heartwarming translation of this San Francisco piece is “listen to your heart.” While harsh realities and unforgiving satire are typically Banksy’s style, a bit of optimism seeps through here. This listening doctor serves as an inspiring reminder. Are we living up to the request?
Featured photo credit: Gary Soup via images.search.yahoo.com

Monday, 17 December 2018

Conheça o trabalho de dez artistas plásticos que se dedicam ao ativismo ambiental em suas obras


https://www.ecycle.com.br/component/content/article/35-atitude/3971-conheca-o-trabalho-de-10-artistas-plasticos-que-se-dedicam-ao-ativismo-ambiental-em-suas-obras-arte-sustentabilidade-contemporanea-instalacoes-.html

Conheça o trabalho de dez artistas plásticos que se dedicam ao ativismo ambiental em suas obras




Obras de arte são uma importante ferramenta para transmitir mensagens de consciência e sustentabilidade. Conheça esses artistas que transcendem a estética em busca da luta ambiental

Obras de arte que se dedicam ao ativismo ambiental
A arte tem um potencial provocador. Muitos artistas a utilizam como ferramenta de ativismo. Entre as correntes destaca-se o ativismo ambiental (saiba mais sobre a arte como ativismo ambiental). Com a arte contemporânea, a produção artística reinventou suas fronteiras e começou a transitar em novos territórios, utilizando linguagens como performances e instalações. Ela pode ter caráter efêmero, ser uma intervenção na cidade, mas vai provocar uma reação no contato com o espectador, mesmo que seja de estranhamento. E se você pudesse fazer as pessoas se questionarem, nem que por um instante, sobre as questões ambientais? É o que esses artistas fazem.

Agnes Denes

agnes deves campo de trigo
O campo de trigo é o mais conhecido trabalho da artista conceitual e pioneira na arte ambiental, Agnes Denes. Ele foi criado durante um período de seis meses, na primavera, verão e outono de 1982, quando Denes, com o apoio do Fundo de Arte Pública, plantou um campo de trigo dourado em dois acres de aterro coberto de escombros, perto de Wall Street e do World Trade Center, em Manhattan (agora o local do Battery Park City e do World Financial Center), nos Estados Unidos. A obra é um forte ato discursivo para demonstrar que um terreno baldio pode ser útil. Após o plantio, mais de mil quilos de trigo foram colhidos e distribuídos para 28 cidades ao redor mundo.

Mierle Laderman Ukeles

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Desde 1976, a feminista Mierle Laderman Ukeles é artista residente do Departamento de Saneamento da Cidade de Nova Iorque. Seu trabalho incorpora o diálogo e a participação da comunidade em torno de questões centradas na vida e na sustentabilidade. Ela chamou a atenção para a manutenção dos sistemas ecológicos urbanos em geral, para a transferência de materiais usados ​​e recicláveis ​​e para a vida de trabalhadores de manutenção diária. Ukeles focou suas energias criativas em uma série de projetos de longo prazo: Touch Sanitation (1978-1984), Flow City (1983-atual) e Fresh Kills Landfill and Sanitation Garage (1989-atual). Estes projetos fornecem pontos de acesso e informações para visitantes sobre questões de gestão de resíduos urbanos.

Wendy Osher

something in water
Esse projeto ecocolaborativo conectou mulheres de todo o mundo, usando sacos de plástico como matéria-prima para fazer crochê em formato de mamas. Osher juntou os componentes para fabricar uma forma colorida e orgânica atraente, para chamar a atenção para as toxinas que escoam para águas internacionais. A obra se destina a aumentar a consciência social sobre a importância de corrigir a contaminação da água. Em conjunto, as mulheres apontam como sacos de plástico estão ligados ao veneno que vaza para a corrente sanguínea e afeta diretamente o leite materno das mulheres e o futuro das gerações vindouras.

Frans Krajcberg

frans krajcberg
Krajcberg luta e grita contra o que chama de barbárie do homem contra o homem e do homem contra a natureza. “A minha vida é essa, gritar cada vez mais alto contra esse barbarismo que o homem pratica”. Ele faz da sua arte um grito de revolta ao transformar restos de troncos e galhos calcinados após queimadas em esculturas. "Quero que minhas obras sejam um reflexo das queimadas. Por isso, uso as mesmas cores: vermelho e preto, fogo e morte".

Nele Azevedo

Nele Azevedo
"Melting Men" é o projeto mais famoso da artista Nele Azevedo. A obra consiste na instalação de centenas de bonequinhos de gelo. O objetivo é abordar um dos assuntos mais urgentes que ameaçam a nossa existência neste planeta: os efeitos das mudanças climáticas. Em 2009, a artista se uniu com o World Wildlife Fund e colocou 1.000 figuras de gelo na Praça Gendarmenmarkt, em Berlim. A instalação correspondeu com o lançamento do relatório do WWF sobre o aquecimento do Ártico.

John Fekner

john feker
Em sua obra, o artista de rua John Fekner trouxe mensagens que destacam questões sociais ou ambientais, provocando a ação de cidadãos e autoridades de Nova Iorque. O artista é um dos grandes nomes da arte urbana. Suas obras conceituais envolvem questionamentos sobre o impacto antrópico (oriundo da atividade humana) na natureza, consumo excessivo e exploração do homem e da natureza. O artista de multimídia fez largo uso de stencils, pintando símbolos e frases com forte crítica ao sistema, nos anos 70 e 80, nas ruas de EUA, Alemanha e Suécia.

Sayaka Gans

sayaka gans
Sayaka Ganz produz belas esculturas ecologicamente corretas, que reutilizam objetos no fim de sua vida útil. A artista conta que foi inspirada por crenças xintoístas japonesas que dizem que todos os objetos têm espíritos, e aqueles que são jogados fora "choram à noite dentro da lata de lixo". Com esta imagem vívida em sua mente, ela começou a coletar materiais descartados - utensílios de cozinha, óculos de sol, eletrodomésticos, brinquedos, etc. - e incluí-los em suas obras de arte. Ao produzir sua arte, Ganz recupera e regenera os materiais em questão e propõe um consumo mais racional. A concepção de resíduo é uma criação humana, na natureza tudo é insumo de algo e dá continuidade ao ciclo. A obra de Ganz introduz mais uma chance de vida para esses materiais que seriam descartados, provavelmente de forma incorreta, e degradariam o planeta.

Patricia Johanson

Patricia Johanson
As instalações de Johanson são funcionais e consistem em infraestruturas que têm a intenção de recuperar ecossistemas impactados. Seus projetos envolvem trilhas inusitadas e paisagismo, reintroduzindo espécies de animais e vegetais ameaçados de extinção, criando lagoas de oxidação natural para melhorar a qualidade da água, etc. Johanson colabora com engenheiros, urbanistas, cientistas e grupos comunitários para criar sua arte fundindo as necessidades funcionais dos seres humanos com a nossa responsabilidade coletiva de manejo ecológico.

Anne-Katrin Spiess

anne katrin spiess
Spiess é uma artista contemporânea que faz instalações conceituais com reflexões de cunho ambiental. Suas instalações temporárias na natureza evocam uma sensibilidade quanto à reconexão do homem com o meio ambiente. Com o ritmo atual de vida nas metrópoles, o homem se distancia vertiginosamente da terra, dos animais, das paisagens e das vegetações. Contudo, os efeitos negativos da interferência antrópica revelam como nossa existência não pode ser dissociada da saúde do planeta. "Provavelmente, a busca mais importante de todo o meu trabalho é a busca de uma reconexão com a essência e as raízes da existência humana e para a terra. Meus projetos são de instalação conceitual, e, na maior parte, temporários. Eles são documentados através de vídeo, texto e fotografia, e, em seguida, novamente desmontados, para que apenas as lembranças permaneçam... ", revela a artista.

Eduardo Srur

eduardo srur
O artista visual realiza grandes intervenções urbanas que chamam a atenção de milhões de pessoas para a questão ambiental. A inserção de suas obras no cotidiano da cidade, faz com que os expectadores reflitam, mesmo que por um breve momento, sobre as questões propostas. Srur transita entre a fotografia, escultura, vídeo, performance, instalações e intervenções urbanas. Suas obras são bem-humoradas, porém impactantes e com forte dimensão crítica. A interferência no cenário urbano dialoga com a questão ambiental e faz um importante alerta sobre os problemas vividos nas metrópoles, como o excesso de resíduos.

Arte urbana além das ruas: Babu seteoito e sua profundidade abissal na natureza

Arte urbana além das ruas: Babu seteoito e sua profundidade abissal na natureza

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Depois de seis anos colorindo as ruas das cidades por onde passou, ele volta para as telas. E neste reencontro com o início de sua relação com as artes plásticas, Babu seteoito procura pela profundidade. “Onde encontramos a profundidade? No fundo do mar, no espaço, em nós mesmos”.
Foto: Carol Marimon
Foto: Carol Marimon
Como um escafandrista ou um astronauta, Babu mergulha nos recônditos de sua própria história para narrar as representações do que viveu nas telas que misturam pintura com stencil. Sua “Profundidade” está exposta na Casa do Parque e não para por aqui. No dia 20, “Abissal” embarca para São Paulo na Blaze Gallery e o retorno já está marcado com “Minha Natureza” para acontecer no SESC Arsenal.
Foto: Carol Marimon
Foto: Carol Marimon
São três exposições diferentes, que compõem a mesma narrativa que encontrou. Estas composições contam as histórias de sua própria vida. Os barcos de papel que representam a relação entre o pai e a mãe. “Meu pai morreu de amor”. Sete meses depois de falecer a mulher que sempre amou, uma história de idas e vindas em barcos de papéis que durou uma vida inteira.
Meu grande amor, somos dois barcos tristes
Que navegamos sempre em ondas fortes
Porque seguimos rumos diferentes
Foto: Carol Marimon
Foto: Carol Marimon
O coração estava presente nas últimas séries que produziu, inclusive na rua. Mas é tudo junto e misturado: tela, pintura, desenho, grafite, tudo se mistura. Tudo se relaciona para contar o que se pretende. Um dos corações é um Sodréliano em homenagem ao pintor Adir Sodré. O astronauta percorre o Universo em uma tela. Barcos de papel que se vão com o ir e devir das ondas do mar. A natureza que cresce em meio aos signos urbanos. Babu criou plantas e usou as da própria memória. Oito filhos de mãe benzedeira que apanharam bastante de espada de São Jorge, relembra o artista.
Foto: Carol Marimon
Foto: Carol Marimon
É o estado de profundidade. São suas heranças, a lembrança das plantas da mãe, do quintal cuiabano, dos seus ladrilhos. De toda uma memória que o remete à infância, ao sentimento de lar.
“Hoje eu tenho a vida que sempre sonhei desde criança e quero me descobrir cada vez mais, este é só mais um tentáculo da minha veia artística”. Em sua visão, ainda existe um abismo muito fundo que atravessa a arte urbana entre Cuiabá e São Paulo.
Foto: Carol Marimon
Foto: Carol Marimon
E isso começa pela cultura que se tem. Babu foi preso por expressar sua arte, responde à processo que o Estado moveu contra ele por fazer grafite, confusão com moradores, repressão.
O reconhecimento de sua arte é um fortalecer do próprio grafite, da resistência da arte urbana, das ruas. E é este comprometimento com as ruas que o artista precisa ter, opina Babu: “é um compromisso com as ruas, com a cidade, com a cultura e história do grafite”.
Foto: Carol Marimon
Foto: Carol Marimon
“Na década de 90, 80, vi muita pintura em viadutos, passarelas, postes, painéis de Gervane de Paula, Adir Sodré, Jonas Barros. Mas não é grafite”.
A temporada de exposições começou com Irigaray Arte e Cidade e depois com o prêmio incentivo do Salão Jovem Arte. Agora, assina seu nome individualmente para mostrar ao mundo o seu trabalho. É a arte urbana para além das ruas.

Cuiabá se manifesta “Na Lata” a favor da arte de rua


http://www.cidadaocultura.com.br/cuiaba-se-manifesta-na-lata-a-favor-da-arte-de-rua/

Cuiabá se manifesta “Na Lata” a favor da arte de rua

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Uma questão que se coloca atualmente nas cidades é sobre a ocupação artística dos espaços públicos. Até onde pode e deve o poder público intervir sobre a liberdade de expressão e sobre uma produção artística livre e pública que passa a ser patrimônio de todos? Qual o grau de sensibilidade que esperamos dos gestores municipais para lidar com isso? Até onde um prefeito tem o poder de tomar uma medida unilateral sem consultar ninguém numa demonstração de autoritarismo, descaso e insensibilidade que aviltou tanto artistas quanto pessoas representativas da sociedade? Estou falando do prefeito João Dória que decidiu apagar/cobrir as mais belas artes grafites da 23 de Maio no maior mural aberto da América Latina, uma das maiores do mundo com arte de gente do quilate de Eduardo Kobra e outras feras da arte de rua. Um autêntico cartão de visitas para quem passou por São Paulo – tudo coberto com uma só cor, cinza, justamente o cinza que parece cobrir os restos de uma civilização, sim, como restos, como se adiantássemos o tempo, jogando cinzas em um mundo colorido, sensível e de olhar estético apurado.
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Cena do videoclipe “Na Lata”
Mas o duro concreto parece que bateu nos olhos e na cabeça do senhor prefeito João Dória em São Paulo que demonstrou uma falta de sensibilidade e ignorância absurda ao sugerir desconhecer ou não valorizar os conceitos planetários do que seja legítimo como linguagem dentro da arte contemporânea.
Cara, não existe mais espaço para isso, hoje a informação circula rapidamente e as pessoas criam seus espaços de discussões! Se valer o argumento de que o sistema político permite essas atitudes arbitrárias, então o sistema está errado, tem que mudar. Não é preciso um esforço lógico muito grande para ver que muitas leis já não servem para os desafios contemporâneos. Se tudo muda com velocidade crescente é preciso que as legislações se adaptem no correr dos fenômenos.
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Cena do videoclipe “Na Lata”
Várias reações pipocaram Brasil e mundo afora a partir dessa ação de assepsia, de um programa ridículo chamado de Cidade Linda. Segundo especialistas em arte urbana o prefeito não tinha o direito de apagar as obras de arte que passaram a ser patrimônio público. Colhi algumas opiniões e reproduzo aqui: O arquiteto e urbanista Kazuo Nakano, acredita que houve um equívoco. “A retirada dos grafites demonstra um entendimento equivocado porque é diferente da pichação. O grafite conquistou desde a década de 1980 em São Paulo uma legitimidade, com exposições na Bienal, no Museu da Imagem e do Som e no Masp”, argumentou. “São Paulo é reconhecida por especialistas por ter um dos maiores acervos de arte urbana do mundo, é parte do espaço público e isso não pode ser apagado de uma maneira autoritária e impositiva”, continuou o especialista.
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Cena do videoclipe “Na Lata”
Discute-se aqui também a questão do pertencimento. De quem é a cidade senão uma construção coletiva? Ao invés de excluir essas pessoas era importante abrir um canal permanente para discussão sobre o que conservar e o que precisa mudar, afinal a arte urbana está sujeita a transformações que vão desde a intervenção de outros artistas até as condições do tempo que vai interferindo na paisagem e nos materiais. A alegação de que o programa Cidade Limpa prevê uma fiscalização sobre a ação dos pichadores é uma discrepância em relação a esses fatores de mudança que são de natureza ambiental e cultural. Faz parte. Pertence ao processo de construção coletiva de uma cidade. Essa arrogância autoritária, das políticas de assepsia das cidades, coloca o programa do PSDB numa posição estranhamente autoritária e intransigente em relação ao direito constitucional de ir e vir, desrespeitando princípios elementares das liberdades individuais e de grupos.
A grafiteira Barbara Goy, uma das artistas responsáveis pelos grafites na Avenida 23 de Maio, diz que não existe delimitação do grafite. “Limitar onde pode fazer e onde não pode não existe. Não é assim que funciona o grafite. Será perda de tempo e dinheiro”, disse. Ela ressaltou que, até agora, não conhece nenhum grafiteiro que tenha sido procurado pela Prefeitura para o projeto. “Torço para que ele (prefeito) esteja realmente disposto a fazer estes projetos pela cidade, mas sem limitar. O grafite sempre foi a liberdade de expressão dos artistas de rua.”
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Cena do videoclipe “Na Lata”
É preciso recordar que a 23 de Maio, por exemplo, foi encomendada pela gestão passada e esta ação do prefeito Dória desrespeitou completamente a conexão com artistas e da própria ação política cultural de São Paulo numa evidente mudança de postura, agora com tendência elitista e desconectada dos movimentos vivos que pipocam por todos os bairros da cidade e diversas comunidades coletivas que vêm se agrupando e gerando espaços de produção criativa e de vivências artísticas que tanto contribuem para a vida de seus cidadãos.
O grafiteiro e curador responsável pela Bienal do Grafite, Binho Ribeiro, disse que dificilmente o programa será bem-sucedido e que Doria deveria, antes de anunciar qualquer projeto, pedir desculpa à população por ter apagado grafites na cidade. “Qualquer conquista para a categoria é importante, mas não diminui o que foi feito. Uma parte dos artistas não vai querer participar desse projeto, e a outra parte será marginalizada dentro da categoria, se aceitar”, afirmou.
Não existe um consenso sobre a questão, existem grafiteiros que defendem a renovação dos murais para ir gerando novas artes, oxigenando o processo criativo e dando oportunidades para outros exporem seus trabalhos. Já ouvi pessoas dizerem que preferem a cor cinza. Normal, acho que cada um escolhe suas preferências. Mas a construção coletiva da cidade de uma forma orgânica implica em dialogar com as pessoas. Não tomar medidas da sua própria cabeça e passar por cima dos outros.
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Cena do videoclipe “Na Lata”
A professora da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo do Mackenzie, Nadia Somekh, diz que o problema não tem solução fácil e o programa anunciado por Doria não resolverá o problema do grafite. “O grafite é algo que não é autorizado. Quando o prefeito fala que vai fazer um grafitódromo, não é mais grafite. É arte urbana. É muito bom, acho ótima esta produção de cultura e parabenizo a iniciativa, mas não é grafite.”
Ela também diz que o Cidade Linda deveria focar na limpeza da sujeira na cidade. “Arte não é sujeira. Deveriam limpar o lixo de verdade.”
Em Cuiabá, uma galera capitaneada por Chabox, o Fabrício Chabô, que já é um velho conhecido da cena cuiabana, de muitas realizações independentes na arte e na animação cultural, compôs uma música e produziu um clipe independente como uma espécie de manifesto contra esse comportamento intransigente do prefeito de São Paulo.
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Cena do videoclipe “Na Lata”
Uma produção honesta e feita na brodagem, de forma colaborativa como uma resposta dizendo que as ruas não vão silenciar. De orçamento quase-zero, os artistas rappers, câmeras, editores, galera da produção e gravação, enfim, uma extensa ficha técnica de colaboradores, atuaram sem receber nada por isso. A música propõe de forma coerente uma troca pacífica de ações, ao invés de combater a arte, vá combater as causas que levam a um crescente número de usuários de crack, inchando e gerando as cracolândias de SP e irradiando para todas as cidades do país.
É preciso lembrar que em Cuiabá, a polícia militar deteve e levou para a Delegacia os artistas André Gorayeb e Simone Ishizuka quando arriscaram criar uma arte grafite em uma trincheira no bairro Santa Rosa. A partir disso abriu-se uma discussão sobre a regulamentação desse tipo de manifestação artística na cidade. Abriu-se até editais para selecionar artistas, como o Dória está propondo em São Paulo. Fiquei matutando sobre os excessos de regulamentações, sobre a necessidade desse tipo de organização e limitação dos impulsos criativos dos artistas e do uso dos espaços públicos.
Parece que estão tornando o mundo mais sem graça e sem cor. Uma vida sem festa e sem alegria.
Cinza como o gesto do prefeito de São Paulo.

Tody One: o graffiti como ferramenta de transformação periférica e expressão negra

br de fato
https://www.brasildefato.com.br/2018/12/17/tody-one-o-grafite-como-ferramenta-de-transformacao-periferica-e-expressao-negra/

Tody One: o graffiti como ferramenta de transformação periférica e expressão negra

Grafiteiro há 17 anos, ele conta sobre seu trabalho e os desafios enfrentados por artistas na maior cidade do país

Brasil de Fato | São Paulo (SP)
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Artista visual Tody One renovou a fachada do Instituto Lula, em São Paulo, no início de 2018 / Ricardo Stuckert
Dos 30 anos de idade do pernambucano João Belmonte, ele passou ao menos 13 tendo o graffiti como protagonista do seu dia a dia. Com a arte, aprendeu a importância de se posicionar politicamente, os desafios de obter respostas do poder público e as diferenças que separam artistas pela cor da pele. A partir daí continuou usando o graffiti como instrumento para provocar as pessoas e as instituições.
Hoje, o artista visual é conhecido pela maioria como Tody One e tem como campo de atuação principal o bairro de Guaianases, no extremo da zona leste de São Paulo (SP). Uma de suas obras mais conhecidas é o Gigante da Escadaria, que deu novo visual e ressignificou uma viela da região para os moradores.
Em julho de 2017, também participou da criação de mais um ponto de difusão de cultura na cidade: o Ateliê Griot Urbano, estimulando a representatividade de pensadores, artistas e escritores negros.
Em conversa com a Rádio Brasil de Fato, Tody One compartilhou as dificuldades enfrentadas enquanto artista da periferia, a relação que vê entre arte e política e o papel do graffiti nos centros urbanos.
Confira a entrevista na íntegra:
Brasil de Fato: Nos conte um pouco como surge e o objetivo do Ateliê Griot, por favor…
Tody One: O Ateliê Griot urbano teve início em 2016 junto com meu amigo Nômade Griot. Nós temos algumas atividades de trabalho com arte-educação e arte urbana e vimos a necessidade de diálogo no nosso próprio bairro [Guaianases], que não tinha. A gente era educador na Cidade Tiradentes, em Itaquera e em outros bairros, mas onde morávamos nunca tínhamos atuado.
Tivemos essa iniciativa de fazer algumas atividades com as crianças e um diálogo de arte negra e política. Fazemos alguns encontros e trazemos alguns artistas para trocar uma ideia, falar sobre política nesses tempos atuais.
(Foto: Isaías Dalle)
O Ateliê fica próximo da escadaria e ela, depois do graffiti, virou um ponto turístico, e a gente conseguiu que um vereador fosse lá visitar o espaço e ouvisse os moradores. Essa escadaria é bem antiga, tem mais de 60 anos, mas não tinha corrimão, e os degraus eram todos irregulares. A partir do graffiti, conseguimos essa proximidade com o poder público, que já iniciou algumas obras para revitalizar a escada.
É legal que a gente, como arte e militância de periferia, fez com que chegasse uma melhoria para um lugar que antes não era olhado.
Vocês também trazem uma proposta, de preocupação grande, com o incentivo à leitura, em especial de autores negros, certo?
Exatamente. Um dos poetas que mais escrevo nas ruas é o Sérgio Vaz. Tem uma galera do meu bairro que o conhece sem saber quem é ele por conta das poesias que escrevo nos muros.
A proposta é exatamente essa: dar essa autonomia aos artistas negros e fazer com que eles tenham voz. Temos um projeto chamado Geloteca, no qual a gente pega geladeiras velhas, grafita elas e coloca em lugares ociosos e escolas.
Em Guaianases, temos cinco geladeiras espalhadas e um total de 17 geladeiras espalhadas pela cidade com essa proposta de fazer pontos independentes de leitura além das bibliotecas públicas. A galera tem livro para doar, coloca na geladeira e a própria população faz essa troca de livros.
O graffiti é uma arte que ocupa o espaço urbano e público, mas por fazer as pessoas não compreendem isso. Como você entende essa discussão e quais desafios já enfrentou?
Enfrento vários. Nessa atualidade de conjuntura política, quem se posicionou são poucos grafiteiros de São Paulo, que bateram de frente. Os graffiti sofrem ataques, mas a gente que é da rua sabe que é uma arte efêmera. Fazemos, tiramos foto e acabamos esperando que isso aconteça mesmo, como alguns ataques com tinta.
A gente que é artista urbano está propício a receber essas críticas. Conseguimos atingir algumas pessoas e provocar outras. O ideal da arte é essa provocação. Quando as pessoas se sentem provocadas, acho que atingiu a intenção, que era essa mesmo.
No seu trabalho, a arte desde sempre foi uma forma de expressão política?
Foi uma construção. Faço graffiti desde os 13 anos, mas não tinha uma ideologia a seguir naquele tempo. Eu, como homem negro, tentava saber a minha posição na rua. A gente sabe que existem pichadores de classe média que, em sua maioria, têm advogados e pessoas que podem tirar eles da cadeia assim como eles entram. Para um artista preto de periferia, isso já não acontece. Você está propício a ser morto.
A gente sofre algumas coisas na periferia por ser homem negro. Tenho um amigo que é pichador e é negro e tem um problema crônico no ombro porque o policial jogou ele de cima de um muro há cinco anos. Ele não consegue levantar o braço. Então algumas coisas que acontecem com artistas e pichadores de periferia são diferentes dos que acontecem com uma galera que tem um poder aquisitivo maior e tem acesso a advogados, por exemplo, para tirar eles da prisão caso precise.
Minha mãe, quando eu saia de casa, sempre me dizia para ser educado com autoridades e sempre andar com documento e não fazer nada de errado porque só falta 'um pezinho' para a gente poder ser agredido. Artista de periferia é bem diferente do 'artista Vila Madalena'.
Ao longo destes 17 anos produzindo graffiti, o que a arte representa na sua vida?
Uma incógnita. A arte existe para eu poder viver. Se não fosse por ela, talvez eu estaria como um zumbi, trabalhando em uma empresa fechada e não estaria vivendo. Eu consigo atingir algumas pessoas e elas são gratas por isso e tenho o graffiti como arte-educação, como poesia para ser vivida.
Edição: Brasil de Fato

Saturday, 8 December 2018

Environmental Street Artists Depict The Sad Realities Of Climate Change


https://www.look4ward.co.uk/art/environmental-street-artists-depict-sad-realities-climate-change/




Environmental Street Artists Depict The Sad Realities Of Climate Change

Street Art is able to send a strong messages from the sidewalk to the world at large. Using iconic imagery that is often recognizable regardless of language, the street artist is able to speak his opinions and solutions to a global audience, making this a rapidly advancing form of art the world over. 
A Swiss artists duo composed by Christian Rebecchi and Pablo Togni known as Nevercrew creates original images to illustrate the devastating results of animal hunting, pollution and other environmentally destructive human actions. Talented street artists tend to focus on how human resources impact everyday life and how they change the natural world.
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All Images © Nevercrew
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